Origen del Cine Sonoro y Hollywood CLASE 25 DE ABRIL

El nacimiento del cine sonoro

El primer largometraje con sonido y palabras está fechado en 1927 con la película El cantor de jazz de Alan Crosland. En cambio, el sonido llegó mucho antes al cine. Recientemente hemos descubierto que una cinta de Lee DeForest titulada Imprescindibles fue rodada en 1923 donde aparece una jovencísima Concha Piquer con 16 años con una serie de recitados, un cuplé andaluz, un fado y una jota. Se trata de una grabación de unos once minutos donde la cantante valenciana se convierte en la primera actriz del cine sonoro. La cinta fue exhibida en el cine Rivoli de Nueva York en 1923.

Anteriormente, Thomas Alva Edison consiguió grabar la voz humana en el fonógrafo. El resultado del invento fue un Quinetófono que unificaba el sonido con la imagen. La película con la banda sonora grabada en un quinetoscopio iba sincronizado por una correa al fonógrafo. Posteriormente hubo otros emprendedores que intentaron dar sonido al cine como Dèmeny, Pathé, Gaumont y Lauste entre otros, que no consiguieron dar buena calidad al sonido y ni a las películas debido a los problemas de sincronización.

 

Es en 1926 cuando se estrena en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada. El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de Jazz. Y, la primera película sonora en recibir una aprobación crítica casi universal fue El ángel azul estrenada el 1 de abril de 1930, dirigida por Josef Von Sternberg. Hacia 1930 el cine sonoro era ya un hecho evidente, se mostraba rentable e hizo tambalear todos los planes del momento del cine mudo.

En el mundo de los actores se produjo el pánico, ya que temieron que sus voces no fueran adecuadas a los cambios. Todos fueron obligados a pasar prueba de voz, que la mayoría pasaron, pero que otros se quedaron en el camino, como es el caso de Buster Keaton. Caso diferente fue el de Charles Chaplin. La llegada del cine sonoro le supuso un duro golpe, al principio se negó a aceptarlo, negándole validez artística. Evitó hablar en dos películas ya sonoras: Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), que no eran en realidad sino películas mudas con músicas y efectos ingeniosamente sincronizados. Todo hacía pensar que Chaplin, el gran mimo, sería una más de aquellas estrellas que no supieran adaptarse a la llegada del cine sonoro. Chaplin habló por primera vez en la pantalla en El gran dictador (1941), cuando lo hizo, volvió a tener el éxito de siempre.

Algunos directores de fotografía afirman que el cine sufrió un retroceso al llegar el sonoro, pués limitó enormemente las posibilidades creativas del mismo. Se perdió cierta fluidez, creatividad y ritmo. Las cámaras hacían mucho ruido, y las filmaciones debían de hacerse en riguroso silencio. Los micrófonos lo captaban todo y al mismo tiempo no se entendían correctamente las voces de los actores. El operador encerrado en una cabina insonorizada no se enteraba nada de lo que no veía, lo que relentizaba el trabajo.

Como vemos, el sonido era un problema en los primeros tiempos del cine sonoro. Los actores perdían agilidad en los movimientos narrativos ya que tenían que hablar cerca de los micrófonos. Los equipos de sonido de la época exigían que la persona que hablaba se dirigiese al micrófono y a corta distancia. Los micrófonos se escondían en los floreros, tras las cortinas o en la peluca de los actores. En muchos films de aquellos tiempos se puede apreciar el envaramiento de los actores y su cercanía extraña hablando con los objetos más diversos. Un buen ejemplo de todo esto lo podemos ver en la película Cantando bajo la lluvia (1952) de Stanley Donen y Gene Kelly.

Hacía 1928 ya se habían superado muchos de estos problemas técnicos. Se inventó la “jirafa”, el micrófono que se coloca en lo alto de la escena y se evitaron así las cámaras insonorizadas. Vuelven las guerras comerciales por estas fechas para repartirse el mercado mundial de los equipos para estudios y salas.

En cuanto al lenguaje cinematográfico, al principio se vuelve al “teatro filmado”, en el que el ritmo de los planos, fijos y teatrales se ven supeditados a los interminables diálogos y canciones. Aparece el género del Music-hall y de la comedia musical. La diversidad idiomática dificulta la distribución internacional de las películas. Para salvar este obstáculo, las productoras filman la misma película en varios idiomas, sustituyendo a los actores y actrices, pero utilizando los mismos decorados y el mismo equipo técnico.

Tomado de: http://amorenoyelcine.wordpress.com/3-el-cine-sonoro/3-1-estados-unidos/

1910. EL NACIMIENTO DE HOLLYWOOD

El nombre "Hollywood" se asocia inevitablemente con la sede de lai ndustria del cine estadounidense.

En sus orígenes, fué un poblado fundado en 1857. En 1903 Hollywood se convirtió oficialmente en municipio y siete años más tarde se integró como un barrio de la población de Los Ángeles, principalmente, para disponer de agua suficiente a través de la red de suministro de la ciudad.

A principios del siglo XX, las compañías productoras de cine de Nueva York y Nueva Jersey comenzaron a trasladarse a California para escapar de los impuestos sobre las patentes del cinematógrafo en EE.UU. que Edison se había adjudicado y además por el buen clima que facilitaba los rodajes en exteriores. Aunque ya existía la luz eléctrica, los estudios de cine dependían de la iluminación natural para poder rodar. El primer estudio en Hollywood se fundó en 1911. Ese mismo año otros 15 estudios se establecieron allí. Desde entonces, el distrito de Hollywood fue evolucionando hasta convertirse en la meca del cine de todo el mundo occidental.

Hacia mediados de esta década nace el “régimen de doble mando”. Es decir, en Hollywood se instalan los estudios, los operarios, las estrellas... todo lo que forma la industria; mientras que en Nueva York se encuentra la parte financiera. La banca norteamericana se van dando cuenta del potencial económico de la industria cinematográfica y se comienza a invertir en películas. Para que los grandes estudios fueran rentables no era suficiente crear tres o cuatro películas de alto presupuesto, sino que tenían que filmarse muchas más producciones de calidad inferior para mantenerse vivas.La salas se adecuan para recibir un gran público y se construyen  más grandes y lujosas.

Nace también el llamado "Star System" (Sistema de Estrellas). Los grandes magnates de Hollywood pronto se dieron cuenta de que el éxito de sus producciones no solo dependía de su calidad, sino también de quién aparecía en ellas. Así, comenzaron a idearse las primeras campañas de marketing para asegurarse el éxito de sus películas. Las estrellas de Hollywood se convirtieron en una mezcla entre actor y personaje, y eran mitificadas como dioses por el público. Estos dioses estaban creados por los propios estudios. Este sistema duró hasta los años 50, aunque hoy en día aun quedan restos de él. El llamado "glamour" hollywoodiense, es hijo de este "Star System" si no la otra cara de la misma moneda.

Pero el cine aun no había alcanzado su punto más alto. Méliès había exprimido todas sus posibilidades en cuanto a entretenimiento se refiere, pero el lenguaje cinematográfico tal y como hoy lo conocemos aun no se había desarrollado. Hasta entonces, las películas realizadas se desarrollaban en diferentes escenarios en los que una cámara fija ofrecía un plano general de la acción al espectador, con lo que no había mucha diferencia entre una película y una obra de teatro.

GRIFFITH

En 1915, el director David Wark Griffith, presentó al mundo la que, hasta ese momento y durante casi 25 años más, fué la pelicula más cara y espectacular jamás filmada: El nacimiento de una nación, una epopeya de cuatro horas de duración que narra la derrota del Sur durante la guerra civil americana. Cuidada hasta el más mínimo detalle en cuanto a escenografía, ambientación vestuario y sobre todo en cuanto a recursos narrativos fílmicos, los cuales establecieron un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.

Estos recursos como el flashback, el uso del primer plano, la alternancia entre planos generales que permiten comprender y organizar mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos para apreciar detalles, son totalmente habituales y están asumidos hoy en día pero no para el público de la época, que nisiquiera concebía en su mente lo que era un primer plano. 

El Nacimiento de una Nación es hoy uno de los grandes hitos de la historia del cine. Fue una película que provocó todo tipo de reacciones. Por un lado logró que, por primera vez, se reconociera al cine como arte, y convenció al mundo de que Hollywood había llegado a la madurez, pero al mismo tiempo, fue criticada por su abierta visión racista.

El nacimiento de una nación (1915) (fragmento)

http://www.youtube.com/watch?v=6_D5tmzFbpA

Como respuesta a estas críticas, en 1916, Griffith estrenó otra superproducción, Intolerancia; el film explora el tema de la intolerancia por medio de cuatro historias localizadas en momentos diversos de la historia: la matanza de los hugunotes en Francia en la noche de San Bartolomé de 1572, la pasión y muerte de Jesucristo, una huelga de trabajadores contemporánea y la caída de la Babilonia del rey Baltasar en el año 539 ante el ataque del Imperio Persa. 

La película contaba con todo un conglomerado de recursos artísticos y técnicos, una gran puesta en escena, inmensos y costosos decorados y miles de extras. Pero a pesar de su espectacularidad la película no tuvo una buena acogida por parte del público y nunca llegó a recuperar su desorbitado coste para la época de 12 millones de dólares, convirtiéndose en un fracaso que dejó a Griffith en la ruina, de la que nunca se recuperaría totalmente, pues el corría con todos los gastos de la producción.

"Intolerancia" (1916) (fragmento) 

http://www.youtube.com/watch?v=jGHtgarbglQ

A pesar de esto, hoy en día es considerado uno de los directores cinematográficos más influyentes de la historia y el "padre del cine moderno". 

Intolerancia también sirvió de de catapulta hacia la fama a una de las primeras estrellas famosas: Lillian Gish, considerada como la inventora de la interpretación y un auténtico fenómeno de masas durante la década de los 20.  

A partir de esta película, serían los productores quienes pasarían a dominar el mundo del cine estadounidense, con la aparición de las grandes productoras de Hollywood y el star system, una vez que la industria cinematográfica europea había sido reducida a cenizas tras la 1ª Guerra Mundial.

OTRAS PELÍCULAS Y ESTRELLAS

Otras películas destacadas entre 1910 y 1919:

• Frankenstain (1910) de Thomas Edison.
• La primera adaptación (posteriormente se harían muchísimas más) de la novela Oliver Twist (1912).
• La primera versión de Cleopatra (1917), con Theda Bara, la primera "mujer fatal" del cine, en el papel de la Reina de Nilo. Actualmente solo se conserva un breve fragmento de este film, que ha sido archivado y declarado "patrimonio de la humanidad", con lo que no podemos disfrutar de esta película.
• La primera versión de Tarzán de los monos (1918).

Es también a mediados de esta década cuando hace aparición un personaje que sería la figura más importante del cine durante los años 20 y se convertiría en un icono cultiral del siglo XX: Charles Chaplin (Charlot). Actor, director, escritor y productor de todas sus películas, comenzó a hacer reir al mundo con sus primeros cortometrajes hacia 1915; algunos de los mejores son:

• Charlot en la playa (1915)
• Charlot boxeador (1915)
• Charlot músico ambulante (1916)
• Charlot Bombero (1916)
• La calle de la paz (1917)
• Vida de perro (1918)
• Armas al hombro (1918)
• Día de placer (1919)

 Tomado de:  http://joss-ronah.blogspot.es/1236700320/

EDISON Y NACIMIENTO DE HOLLYWOOD

Cuando el cine llegó a Norteamérica tuvo una grandísima acogida y la nueva industria comenzó a crecer vertiginosamente, esto llamo la atención de Thomas Alva Edison, nacido en Milan, Ohio (1847-1937) West Orange, Nueva Jersey.

Edison se dio cuenta de las posibilidades que ofrecía el cinematógrafo y no tardó en comprar los derechos de explotación para la costa este de los Estados Unidos. No tardó en recibir dinero a costa de pequeñas productoras que empezaron a considerar abusivos esos cobros, ya que esta industria cinematográfica creciente les proporcionaba muchos gastos y pocos beneficios que debían compartir con Edison. Sin embargo, Edison era casi un mafioso y convencía por malos métodos a todos aquellos que se retrasaran en los pagos. Debido al monopolio de Edison, algunas productoras de New York y Chicago decidieron buscar otro sitio donde trabajar sin el yugo de Edison, y ese sitio no fue otro que la costa oeste. Se quedaron en un pueblo cerca de Los Ángeles llamado Hollywood lugar donde los derechos de explotación de Edison no servían. Aparte de eso se establecieron allí por sus numerosos días de sol durante el año ya que los días eran más largos y con buen clima (Aunque ya existía la luz eléctrica, los estudios de cine dependían de la iluminación natural para poder rodar). La primera productora se estableció allí en 1911 y durante ese año se establecieron allí otros 15 estudios.

 

 

Thomas Alva Edison

El sitio lo eligió Carl Laemmle quien fue uno de los pioneros que, huyendo de los abusos de Edison, llegó a California y Fundó la Universal City, comprando una finca de 430 Kilómetros cuadrados. 

La Universal City era una ciudad con su propio alcalde y departamento de policía, donde vivían todos los trabajadores de la industria del cine. Al poco tiempo nuevos vecinos se instalaron en los alrededores, todos ellos relacionados con la industria del cine. Los más conocidos eran los hermanos Warner, fundadores de la Warner Bross en 1923, los hermanos Cohn, fundadores de Columbia Pictures, Adolf Zukor, fundador de Paramount Pictures, Samuel Goldfish y los hermanos Selwyn, cofundadores de Metro-Goldwin-Mayer y Willian Fox, fundador de la 20th Century Fox. 

Realmente ésta fue la gran aportación de Edison a la industria del cine: El nacimiento de Hollywood.

David W. Griffith 

 David W. Griffith 

 

Nacido en Kentucky (Estados Unidos de América) el 22 de enero de 1875 y fue educado bajo la influencia del sur de los Estados unidos. Su padre participó en el lado perdedor de la guerra de secesión en Estados Unidos. 

Cursó estudios en escuelas locales y trabajó en muchos oficios antes de incursionarse en el cine y el teatro, en 1897 se hizo actor aficionado. 

En el año 1900 se hizo actor profesional y cautivado por el cinematógrafo no tardó en convertirse en uno de los más importantes directores de la historia del cine. 

En 1908 fue contratado como actor por la compañía AM&B (American Mutoscope & Biograph) de la que llegó a ser director en Nueva York y California y se convertiría en productor independiente en 1913. 

Dirigirá sus películas más importantes a partir de ese momento. En 1915 se estreno “El nacimiento de una nación” que supondrá un gran éxito. La película trata sobre la Guerra Civil Americana desde el punto de vista del bando confederado, y más tarde de la fundación del KKK (Ku Klux Klan). Esta película tuvo mucha polémica debido a las escenas racistas que se muestran en ella. Por otra parte logro con esta película que se reconociera el cine como arte. 

Cártel de El nacimiento de una nación 

 

He aquí un enlace a un fragmento de la película: es el comienzo de la película donde muestra la vida en el sur de los Estados Unidos y el comienzo de la Guerra Civil Americana, y la historia de una chica que escribe a su hermano en el frente y cuya casa es atacada luego por las tropas del norte entre las cuales muchos de los soldados son negros.

 

Su otra película a destacar es “Intolerancia” que fue una de las producciones más caras de la historia del cine. Esta película relata cuatro grandes injusticias de la historia: la matanza de los hugonotes en la noche de san Bartolomé, la pasión y muerte de Jesucristo, una huelga de trabajadores, y la caída de la Babilonia del rey Baltasar en el año 539 ante el ataque de Ciro II el Grande, rey del Imperio persa. 

 

Fotograma de “Intolerancia” donde se muestra la entrada a Babilonia.

 

Una de las escenas en la parte de Babilonia es en la que se ve cómo se subasta una mujer como esposa. 

Este es un enlace a un video que muestra dicha escena.

 

Más tarde, junto con otras importantes figuras del cine como eran Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford fundó la compañía United Artists, para producir películas de larga duración al margen del control de productores y financieros no creativos del cine. 

Entre los años 1908 y 1914 realizó casi 400 filmes, cultivó todos los estilos y géneros, mostrando una especial inclinación por el melodrama histórico. 

Tras la llegada del cine sonoro, que provocó su fin como director, realizó solamente dos películas sonoras, “Abraham Lincoln” en 1930 y “The struggle” en 1931. 

Él mismo afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, con aportaciones como el primer plano o el flashback, como dijo en un artículo de un periódico en 1913. 

Lo que es cierto es que se puede considerar a Griffith el padre del cine moderno americano, dado que las películas de la época no eran más que cortometrajes producidos con pocos medios y pocos actores. 

David W. Griffith murió solo en un oscuro hotel del Hollywood Boulevard el día 23 de julio de 1948. Su mejor epitafio lo escribió Orson Welles: “Yo le admiraba, le veneraba, pero él no necesitaba un discípulo. Necesitaba trabajo. Nunca he odiado realmente a Hollywood a no ser por el trato que dispensó a David Wark Griffith. Ninguna ciudad, ninguna profesión o forma de arte le deben tanto a un solo hombre.” 

Mack Sennet y los estudios Keystone 

Mack Sennet rodando con su cámara

Mack Sennet nació el 17 de enero de 1884 en Danville, Canadá en el seno de una familia de granjeros inmigrantes de origen irlandés. Comenzó trabajando en el teatro en la ciudad de Northampton, en Massachussetts, aunque poco después su creciente ambición le llevó a trabajar como “chico de los recados” para la compañía Biograph en Nueva York donde aprendió del principal director de cine americano D.W. Griffith. La película que le dio a conocer como actor fue The Curtain Pole (1909) en un papel de borracho que provoca múltiples caídas. Su gran oportunidad le llegó en 1910 cuando tuvo la ocasión de sustituir al director Frank Powell al caer este enfermo, mientras realizaba “A Lucky Toothache”. 

Durante los años 1908 y 1909 se había producido un descenso brusco de la producción de comedias, pero en 1911 se alcanza de nuevo casi la mitad de la producción. Observando que estas películas obtenían importantes cantidades de dinero en pantalla en 1912 y teniendo como promotores a Adam Kessel y Charles O. Bauman, dueños de la New York Motion Picture Company, Sennet fundó Keystone Studios en Edendale, Los Angeles, y creó el primer estudio y escenario completamente cerrado de la historia del cine. 

El género burlesco del cine americano recoge durante estos años la tradición del “slapstick”(1) además de influencias de films cómicos europeos. Estas películas establecieron algunos de los rasgos más característicos del género, la tarta de crema, el toque seductor con actrices bonitas, la persecución o la impertinencia frente a la autoridad. 

La primera actriz de Sennet fue Mabel Normand, lo que la hizo saltar a la fama a pesar de mantener una agobiante relación personal con él. Muchos otros comenzaros sus carreras en Keystone junto a Sennet como Harold Lloyd, Raymond Griffith, Gloria Swanson, Ford Sterling, Andy Clyde e incluso Charlie Chaplin. 

Charles Chaplin

Chaplin se encontraba de gira en América con la compañía teatral Fred Karmo, cuando recibió un telegrama de Kessel y Bauman, solicitando su presencia y en Septiembre de 1913 firmó un contrato para un periodo de un año con la compañía Keystone. 

Irónicamente Chaplin pensó que hacer películas sería una buena forma de promocionar su carrera en los escenarios y supuso que tras pasar un año allí regresaría como una estrella internacional. 

Cuando Chaplin llegó a Keystone, Sennet le llevó aparte y le explicó su método de trabajo "No tenemos escenarios nos hacemos una idea y luego seguimos la secuencia natural de los acontecimientos hasta que llevan a una persecución, que es la esencia de nuestra comedia." Este método fue edificante, a pesar de que Chaplin lo odiaba porque pensaba que se disipaba la propia personalidad. 

La primera película de Chaplin en Keystone Studios fue titulada “Making a living”, en la cual interpreta a un estafador, Chaplin quedo confundido ante la manera de trabajar de Henry Lehrman, pues él estaba acostumbrado a ensayar y perfeccionar durante meses, pero pronto se dio cuenta de que en Keystone la sutileza siempre dio paso a la velocidad. 

Chaplin tomó cada oportunidad que tuvo para aprender el negocio de hacer películas y en sus primeros esfuerzos fueron más allá de lo que se esperaba de él. 

Las películas que Chaplin llevó a cabo en Keystone son muy diferentes de la comedia suave y sofisticada que sería el sello de su obra posterior. Sin embargo Chaplin incorpora a las películas de Keystone una aguda comprensión del carácter y el movimiento que él había perfeccionado durante sus años en las salas de música británica y un estilo de comedia que fue pulido pareciendo espontaneo al mismo tiempo. 

Aunque la relación de Chaplin con el líder de la "Fun Factory" Keystone a menudo era algo áspera, a Sennett no le importaba siempre y cuando el trabajo fuese bueno, y así era. 

Cuando finalmente Sennett dio a Chaplin el control de sus propias películas, ambos trabajaban bien juntos, y Chaplin comenzó a disfrutar de su trabajo en Keystone 

A Chaplin solo le tomó unos meses llegar a ser reconocido como el comediante más popular en el cine, a pesar de su gran fama y el estrellato internacional, no florecería hasta después de haber firmado con la compañía Essanay Film Manufacturating a principios de 1915. 

Pese a su breve estancia en Keystone rodó 35 films, siendo interprete del primer largometraje producido por Mack Sennet, “Tillie´s Punctured” Romance, el cual fue distribuido a finales de 1914 con bastante éxito. 

Debido a su éxito en 1914 Keystone Studios se expande y hace construir nuevos edificios, contratando así a nuevos directores como Jean-Louis Leutrat y es capaz de aumentar la duración de los films, alcanzando a veces las dos bobinas. 

Los argumentos de Keystone eran simples intrigas, pero a partir del año 1914 comienza a complicarse la estructura narrativa de sus films y comienza a construirse el Star System cómico (3). 

Edificio Keystone Studios

Un elemento distintivo de la comedia de la Keystone fue el estilo de montaje, en las películas se realizaba un ajuste rítmico del montaje en todo el film, realizando los cortes de modo más rápido hacia el final de este. El ritmo de montaje se volvió trepidante y la duración media de los planos de la Keystone era de entre cinco y ocho segundos. 

En el año 1915 Keystone studios se convirtió en una unidad productora independiente; para aquel entonces Sennet ya era una estrella y dejo el estudio en 1917 para producir sus propias películas las cuales fueron distribuidas por Paramount, tras la marcha de Sennet, Keystone jamás volvió a tener el mismo éxito y finalmente cerró en 1935 por bancarrota. 

La comedia burlesca, fue puesta a punto por Sennet, pero aún se basaba en el slapstick antes que en gags visuales. A partir del año 1915 y durante un espacio de 15 años la producción de films cómicos fue muy prolífica, pero el año 1921 marca la transición entre dos épocas del cine cómico estadounidense “la de la patada en el culo y la del gag refinado”. Por primera vez comienza a desarrollarse el personaje cómico que reemplazara al burlesco colectivo y ahí tenemos a los grandes cómicos de los 20 tales como Harold Lloyd, Keaton y Larry Sennon. 

Chaplin ya comienza a elaborar su obra personal a partir de 1914 y en las obras de Sennett apenas sobrevive el antiguo burlesco. Se trata de una edad de oro del género burlesco. 

1 – Slapstick: Se trata de un subgénero de la comedia que se caracteriza por presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en consecuencias reales de dolor. 

3- Star System: se trataba del sistema de contratación de actores en exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios de Hollywood en la denominada época dorada de Hollywood para asegurarse el éxito de sus películas. 

El Western y el legado de Porter. 

Frederick J. Turner

La historia de Norteamérica nació hace escasos siglos cuando los europeos llegaron a sus costas y vieron un inmenso continente que les podría proporcionar una nueva vida y con ello formar un nuevo mundo. Por eso toda la historia anterior a este suceso, procedente del antiguo continente, es descartada, en beneficio de vigorizar el espíritu de sus descendientes y el legado de la nación. 

El movimiento de expansión de fronteras, del este al oeste, va a convertirse en la motivación de este futuro país que será Estados Unidos de América, debido a que es el inicio de su historia como nación. El fuerte explorador que tiene que sobrevivir en las duras tierras extranjeras, adquiriendo los métodos de los nativos indios, y creando esa bella tierra en lo que es hoy en día, será la figura a adorar. 

Así lo explica Frederick J. Turner en su tesis “El significado de la frontera en la historia americana”. El americano proviene de una lucha por la supervivencia, que pasa por resolver problemas nunca antes vividos en Europa; a la expansión por ese vasto territorio de duras condiciones, creando una nación de líderes que tendrá un sinfín de nuevas oportunidades. Esta idea se verá acrecentada gracias a la aportación de los western en libros y, más tarde, en cine. 

A finales del siglo XIX aparecería uno de los directores pioneros más importantes para el futuro del cine actual. Edwin Stanton Porter (1870-1941) fue el director de “Salvamento en un incendio” (1903), así como de “Asalto y robo de un tren” (1903), ambas importantes para el futuro de la industria del cine por su técnica innovadora. 

Es en “Asalto y robo de un tren” donde consideramos la mayor aportación al western americano. Este film de diez minutos de duración contiene sólo doce planos, pero innova en varios aspectos. La técnica de continuidad se basa en cambiar de plano para continuar una acción sin detenerla, apreciada en esta película cuando los personajes salen de vista por un lateral y aparecen en el siguiente plano de forma continua. La cámara también deja de ser la que establezca lo que ocurre en pantalla, y se subordina. Esto elimina la restricción a que toda la acción este en pantalla, y aporta el movimiento de cámara para hacer escenas panorámicas. Adicionalmente nace la técnica de “Cross-cutting”, que permite el desarrollo de dos acciones distintas al mismo tiempo, como puede ser que unos bandidos asalten a un mensajero en uno de los vagones, y mientras sus compañeros se encarguen de tomar la locomotora asaltando a los ingenieros que la conducen. También incluye escenas coloreadas a mano. 

Este film de gran reconocimiento en la historia del cine, ha perdido mérito debido a que Porter permitió el uso de sus técnicas al resto de directores que vendrían después, sin ninguna limitación, creando películas más elaboradas que se refuerzan con el uso de esta innovación cinematográfica, y que dejan a “Asalto y robo de un tren” como un gran experimento que propuso unas ideas innovadoras. 

Así, en 1924, John Ford, famoso director norteamericano con mucho reconocimiento, dirige un film llamado “El caballo de hierro”. Película que vuelve al género western tan apreciado en el país. La película trata de cómo se terminó la construcción del ferrocarril transcontinental, símbolo de la culminación de la colonización americana, fin de esa etapa de expansión de fronteras. Usa en su producción elementos recogidos del film de Porter, creando definitivamente una influencia de western mucho más amplia para el futuro cine. 

Este fenómeno western ha fortalecido el espíritu de la nación norteamericana, como explicaba Turner en su trabajo, dando lugar a la potencia mundial que es hoy en día, y que sigue motivando a su amplia población.

Cartel de El caballo de hierro.

Tomado de: http://hcaesne.blogspot.com/2012/12/edison-y-nacimiento-de-hollywood.html