martes, 5 de noviembre de 2013
jueves, 4 de julio de 2013
Cómo hacer una cámara estenopeica?
Interesante información sobre como hacer una cámara de forma manual:
Revisen este link:
http://naturpixel.com/2010/06/14/como-hacer-una-camara-estenopeica/
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lunes, 6 de mayo de 2013
Los EDOC 2013 arrancan este jueves en la capital
Estimados estudiantes, este jueves inician en Quito los EDOC, una buena oportunidad para que contrasten lo que han aprendido con la producción de Documentales, les paso la nota que publica el diario HOY ( http://www.hoy.com.ec/noticias-ecuador/los-edoc-2013-arrancan-este-jueves-en-la-capital-580454.html)
Los documentales se exhiben del 9 al 19 de mayo en varios lugares
La 12.° edición del Festival internacional de Cine documental EDOC (Encuentros del otro cine) arranca este jueves en la capital.
La muestra, que exhibirá 121 documentales, se extenderá hasta el 19 de mayo en varios espacios.
Este festival se realiza desde 2006. Tiene como finalidad promover el desarrollo de cine documental, también llamado cine de lo real o cotidiano.
Se ha convertido en un medio de expresión artística que retrata la realidad política, social y cultural del país. También permite conocer otras realidades y culturas que se plasman en obras documentales del mundo entero.
Esta vez las cintas podrán ser apreciadas en más ciudades: Quito, Guayaquil, y Cuenca presenciarán los EDOC este mes. Manta lo hará en junio.
Paralelamente, desde junio hasta diciembre, los núcleos provinciales de la Casa de la Cultura Ecuatoriana (CCE) las proyectarán en Loja, Bolívar, Cotopaxi, Chimborazo, Pastaza, El Oro, Los Ríos, Tungurahua y Galápagos. Las funciones en estas provincias son gratuitas.
El jueves, a las 19:30, es la inauguración en el Teatro Nacional de la CCE.
Se proyectará la película La muerte de Jaime Roldós de Manolo Sarmiento y Lisandra I. Rivera.
Esta narra la vida y muerte del presidente Jaime Roldós y el retorno del Ecuador a la democracia.
La búsqueda de archivos históricos, y los testimonios de su familia y sus compañeros empujan a reconocer la historia cercana del exmandatario.
Este filme es promotor del cine político y cuestionador, que se ha propuesto en esta nueva edición de los EDOC.
La idea de producir un documental sobre la muerte de Roldós surgió cuando Sarmiento se reunió con Santiago para conmemorear los 25 años de la muerte de su padre en Loja.
En 2006 se inició el proceso de filmación y a finales del 2011, su promoción. Ahora da apertura a los EDOC.
El resto de la cartelera se transmitirá en el cine Ocho y Medio, en el Instituto Superior Tecnológico de Cine y Actuación (InCine), en la sala Alfredo Pareja de la CCE, en Flacso Cine y en el Centro de Desarrollo Comunitario La Roldós, ubicado en el barrio Pisulí.
En total participan 121 películas documentales de 37 países. Hay 12 ecuatorianas, más que en las ediciones anteriores.
Los documentales son elegidos por un jurado de la Corporación Cine Memoria, que trabaja durante todo el año en la organización de los encuentros de otro cine. Alrededor de 50 personas integran el grupo de trabajo.
Se acogen todos los documentales que deseen participar, con la única condición, que sean posteriores a 2011. Para esta edición las películas fueron entregadas por la Alianza Francesa, la Casa Humbolt, la Casa de la Cultura Benjamín Carrión, la Embajada de Brasil, el Centro Cultural Ecuatoriano Alemán, entre otros.
Los parámetros que se siguen para la selección son la valoración estética y la trama. Después se construyen las secciones para agrupar las temáticas que engloban las producciones. Este año son 12 secciones.
Entre las más atractivas se encuentran: NewsReels, que traza una visión histórica de los noticieros en el cine político, y Síntoma, que reúne películas que manifiestan un malestar, una inquietud o un desequilibrio.
Las funciones tienen un costo de $4,80 por cada película. También hay la opción de comprar un boleto múltiple, con el que se puede acceder a ocho funciones, por $14. El pasaporte ilimitado permite asistir a todas las funciones por $26. (Red.HOY)
Las nuevas secciones y propuestas que ofrecen los EDOC 2013
Cine en el cine: lo comentan y enuncian poéticas acerca del arte cinematográfico, las posibilidades del cine de lo real, sus metahistorias.
Naufragios Políticos: aborda lo político desde la intimidad, las decisiones de vida y las historias contadas a fin de vincular nuestro animal político con la historia de los otros.
Antes del Fin: narran los años de vejez en personajes con energía, derrotados, sabios o rebeldes, siempre entrañables, y dignos de apreciar.
Todas las familias felices: familias en conflicto, en los afectos y en las particularidades de los nuestros donde se aprende a sobrellevar la existencia.
Marcel Lozinski: catalizador de lo real: centra su atención en uno de los más renombrados documentalistas polacos, cuya obra, permanece desconocida en nuestro país. Ocho películas cubren cuatro décadas de su producción cinematográfica.
Cómo nos ven, cómo nos vemos: trabajos desde y sobre el Ecuador. Son nueve largometrajes y tres cortos, que dan muestra de que el género crece exponencialmente en un país en el que las puertas al cine de lo real en salas y canales de TV apenas se están abriendo.
Programa USFQ: Seis cortometrajes documentales hechos en las aulas de la Universidad San Francisco de Quito entre 1996 y 2005 ponen en contacto con los primeros trabajos de cineastas que están en activos.
HEAD en foco: Escuela de Altos Estudios de Arte y Diseño de Ginebra: El instituto Haute École d’Art et de Design, en Ginebra es un centro de excelencia en el ámbito del cine de lo real. Se la ha dividido en dos series: La faute à Rousseau y Filmer la musique, esta sección se ha incluido en Cine en el Cine.
Ancho y ajeno: panorama del mundo: Una variada propuesta de la producción documental reciente a través de historias de todo el mundo, con lenguaje de cine artístico.
Los directores invitados
Marcel Lozinski: nacido en París en 1940. Graduado en dirección de cine por la Escuela Nacional de Cine, Televisión y Teatro de Lodz. Nominado tanto al Óscar como al Premio de la Academia Europea de Cine.
John Appel: director holandés. Ganó dos premios en el International Documentary Festival de Ámsterdam.
Maciej Drygas: polaco nacido en 1956. Director y académico del Instituto de Cine de Lodz. Obtuvo importantes premios, incluyendo el Prix Italia en 1992.
Los documentales ecuatorianos
La sección Cómo nos ven, cómo nos vemos comprende solo obras ecuatorianas.
Aquí algunos de los títulos:
Años viejos, de José Yépez; El barrio de las mujeres solas, de Galo Betancourt; Esperando en Vilcabamba, de Cécile Raynaud; La Tola Box, de Pável Quevedo; Laguna, de Diego Valencia; Pieldolor, de Pocho Álvarez; ¿Quién es X. Moscoso?, de Juan Rhon; Resonancia, de Mateo Herrera; Soñarse muerto, de Micaela Rueda; Tal y como somos, de José Zambrano Brito e Isabel Silva.
Los EDOC 2013 arrancan este jueves en la capital
Publicado el 05/Mayo/2013 | 00:10
Los documentales se exhiben del 9 al 19 de mayo en varios lugares
La 12.° edición del Festival internacional de Cine documental EDOC (Encuentros del otro cine) arranca este jueves en la capital.
La muestra, que exhibirá 121 documentales, se extenderá hasta el 19 de mayo en varios espacios.
Este festival se realiza desde 2006. Tiene como finalidad promover el desarrollo de cine documental, también llamado cine de lo real o cotidiano.
Se ha convertido en un medio de expresión artística que retrata la realidad política, social y cultural del país. También permite conocer otras realidades y culturas que se plasman en obras documentales del mundo entero.
Esta vez las cintas podrán ser apreciadas en más ciudades: Quito, Guayaquil, y Cuenca presenciarán los EDOC este mes. Manta lo hará en junio.
Paralelamente, desde junio hasta diciembre, los núcleos provinciales de la Casa de la Cultura Ecuatoriana (CCE) las proyectarán en Loja, Bolívar, Cotopaxi, Chimborazo, Pastaza, El Oro, Los Ríos, Tungurahua y Galápagos. Las funciones en estas provincias son gratuitas.
El jueves, a las 19:30, es la inauguración en el Teatro Nacional de la CCE.
Se proyectará la película La muerte de Jaime Roldós de Manolo Sarmiento y Lisandra I. Rivera.
Esta narra la vida y muerte del presidente Jaime Roldós y el retorno del Ecuador a la democracia.
La búsqueda de archivos históricos, y los testimonios de su familia y sus compañeros empujan a reconocer la historia cercana del exmandatario.
Este filme es promotor del cine político y cuestionador, que se ha propuesto en esta nueva edición de los EDOC.
La idea de producir un documental sobre la muerte de Roldós surgió cuando Sarmiento se reunió con Santiago para conmemorear los 25 años de la muerte de su padre en Loja.
En 2006 se inició el proceso de filmación y a finales del 2011, su promoción. Ahora da apertura a los EDOC.
El resto de la cartelera se transmitirá en el cine Ocho y Medio, en el Instituto Superior Tecnológico de Cine y Actuación (InCine), en la sala Alfredo Pareja de la CCE, en Flacso Cine y en el Centro de Desarrollo Comunitario La Roldós, ubicado en el barrio Pisulí.
En total participan 121 películas documentales de 37 países. Hay 12 ecuatorianas, más que en las ediciones anteriores.
Los documentales son elegidos por un jurado de la Corporación Cine Memoria, que trabaja durante todo el año en la organización de los encuentros de otro cine. Alrededor de 50 personas integran el grupo de trabajo.
Se acogen todos los documentales que deseen participar, con la única condición, que sean posteriores a 2011. Para esta edición las películas fueron entregadas por la Alianza Francesa, la Casa Humbolt, la Casa de la Cultura Benjamín Carrión, la Embajada de Brasil, el Centro Cultural Ecuatoriano Alemán, entre otros.
Los parámetros que se siguen para la selección son la valoración estética y la trama. Después se construyen las secciones para agrupar las temáticas que engloban las producciones. Este año son 12 secciones.
Entre las más atractivas se encuentran: NewsReels, que traza una visión histórica de los noticieros en el cine político, y Síntoma, que reúne películas que manifiestan un malestar, una inquietud o un desequilibrio.
Las funciones tienen un costo de $4,80 por cada película. También hay la opción de comprar un boleto múltiple, con el que se puede acceder a ocho funciones, por $14. El pasaporte ilimitado permite asistir a todas las funciones por $26. (Red.HOY)
Las nuevas secciones y propuestas que ofrecen los EDOC 2013
Cine en el cine: lo comentan y enuncian poéticas acerca del arte cinematográfico, las posibilidades del cine de lo real, sus metahistorias.
Naufragios Políticos: aborda lo político desde la intimidad, las decisiones de vida y las historias contadas a fin de vincular nuestro animal político con la historia de los otros.
Antes del Fin: narran los años de vejez en personajes con energía, derrotados, sabios o rebeldes, siempre entrañables, y dignos de apreciar.
Todas las familias felices: familias en conflicto, en los afectos y en las particularidades de los nuestros donde se aprende a sobrellevar la existencia.
Marcel Lozinski: catalizador de lo real: centra su atención en uno de los más renombrados documentalistas polacos, cuya obra, permanece desconocida en nuestro país. Ocho películas cubren cuatro décadas de su producción cinematográfica.
Cómo nos ven, cómo nos vemos: trabajos desde y sobre el Ecuador. Son nueve largometrajes y tres cortos, que dan muestra de que el género crece exponencialmente en un país en el que las puertas al cine de lo real en salas y canales de TV apenas se están abriendo.
Programa USFQ: Seis cortometrajes documentales hechos en las aulas de la Universidad San Francisco de Quito entre 1996 y 2005 ponen en contacto con los primeros trabajos de cineastas que están en activos.
HEAD en foco: Escuela de Altos Estudios de Arte y Diseño de Ginebra: El instituto Haute École d’Art et de Design, en Ginebra es un centro de excelencia en el ámbito del cine de lo real. Se la ha dividido en dos series: La faute à Rousseau y Filmer la musique, esta sección se ha incluido en Cine en el Cine.
Ancho y ajeno: panorama del mundo: Una variada propuesta de la producción documental reciente a través de historias de todo el mundo, con lenguaje de cine artístico.
Los directores invitados
Marcel Lozinski: nacido en París en 1940. Graduado en dirección de cine por la Escuela Nacional de Cine, Televisión y Teatro de Lodz. Nominado tanto al Óscar como al Premio de la Academia Europea de Cine.
John Appel: director holandés. Ganó dos premios en el International Documentary Festival de Ámsterdam.
Maciej Drygas: polaco nacido en 1956. Director y académico del Instituto de Cine de Lodz. Obtuvo importantes premios, incluyendo el Prix Italia en 1992.
Los documentales ecuatorianos
La sección Cómo nos ven, cómo nos vemos comprende solo obras ecuatorianas.
Aquí algunos de los títulos:
Años viejos, de José Yépez; El barrio de las mujeres solas, de Galo Betancourt; Esperando en Vilcabamba, de Cécile Raynaud; La Tola Box, de Pável Quevedo; Laguna, de Diego Valencia; Pieldolor, de Pocho Álvarez; ¿Quién es X. Moscoso?, de Juan Rhon; Resonancia, de Mateo Herrera; Soñarse muerto, de Micaela Rueda; Tal y como somos, de José Zambrano Brito e Isabel Silva.
jueves, 2 de mayo de 2013
Edward Hopper "El pintor del Silencio"
Aquí pueden poner sus comentarios sobre el documental que vimos hoy
Aquí algunas dramatizaciones de sus pinturas más famosas Hopper:
jueves, 25 de abril de 2013
Origen del Cine Sonoro y Hollywood CLASE 25 DE ABRIL
El nacimiento del cine sonoro
El primer largometraje con sonido y palabras está fechado en 1927 con la película El cantor de jazz de Alan Crosland. En cambio, el sonido llegó mucho antes al cine. Recientemente hemos descubierto que una cinta de Lee DeForest titulada Imprescindibles
fue rodada en 1923 donde aparece una jovencísima Concha Piquer con 16
años con una serie de recitados, un cuplé andaluz, un fado y una jota.
Se trata de una grabación de unos once minutos donde la cantante
valenciana se convierte en la primera actriz del cine sonoro. La cinta
fue exhibida en el cine Rivoli de Nueva York en 1923.
Anteriormente, Thomas Alva Edison consiguió grabar la voz humana en el fonógrafo. El resultado del invento fue un Quinetófono
que unificaba el sonido con la imagen. La película con la banda sonora
grabada en un quinetoscopio iba sincronizado por una correa al
fonógrafo. Posteriormente hubo otros emprendedores
que intentaron dar sonido al cine como Dèmeny, Pathé, Gaumont y Lauste
entre otros, que no consiguieron dar buena calidad al sonido y ni a las
películas debido a los problemas de sincronización.
Es en 1926 cuando se estrena en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada. El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de Jazz. Y, la primera película sonora en recibir una aprobación crítica casi universal fue El ángel azul estrenada el 1 de abril de 1930, dirigida por Josef Von Sternberg. Hacia 1930 el cine sonoro era ya un hecho
evidente, se mostraba rentable e hizo tambalear todos los planes del
momento del cine mudo.
En el mundo de los actores se produjo el
pánico, ya que temieron que sus voces no fueran adecuadas a los cambios.
Todos fueron obligados a pasar prueba de voz, que la mayoría pasaron,
pero que otros se quedaron en el camino, como es el caso de Buster
Keaton. Caso diferente fue el de Charles Chaplin. La llegada del cine
sonoro le supuso un duro golpe, al principio se negó a aceptarlo,
negándole validez artística. Evitó hablar en dos películas ya sonoras: Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936),
que no eran en realidad sino películas mudas con músicas y efectos
ingeniosamente sincronizados. Todo hacía pensar que Chaplin, el gran
mimo, sería una más de aquellas estrellas que no supieran adaptarse a la
llegada del cine sonoro. Chaplin habló por primera vez en la pantalla
en El gran dictador (1941), cuando lo hizo, volvió a tener el éxito de siempre.
Algunos directores de fotografía afirman
que el cine sufrió un retroceso al llegar el sonoro, pués limitó
enormemente las posibilidades creativas del mismo. Se perdió cierta
fluidez, creatividad y ritmo. Las cámaras hacían mucho ruido, y las
filmaciones debían de hacerse en riguroso silencio. Los micrófonos lo
captaban todo y al mismo tiempo no se entendían correctamente las voces
de los actores. El operador encerrado en una cabina insonorizada no se
enteraba nada de lo que no veía, lo que relentizaba el trabajo.
Como vemos, el sonido era un problema en
los primeros tiempos del cine sonoro. Los actores perdían agilidad en
los movimientos narrativos ya que tenían que hablar cerca de los
micrófonos. Los equipos de sonido de la época exigían que la persona que
hablaba se dirigiese al micrófono y a corta distancia. Los micrófonos
se escondían en los floreros, tras las cortinas o en la peluca de los
actores. En muchos films de aquellos tiempos se puede apreciar el
envaramiento de los actores y su cercanía extraña hablando con los
objetos más diversos. Un buen ejemplo de todo esto lo podemos ver en la
película Cantando bajo la lluvia (1952) de Stanley Donen y Gene Kelly.
Hacía 1928 ya se habían superado muchos
de estos problemas técnicos. Se inventó la “jirafa”, el micrófono que se
coloca en lo alto de la escena y se evitaron así las cámaras
insonorizadas. Vuelven las guerras comerciales por estas fechas para repartirse el mercado mundial de los equipos para estudios y salas.
En cuanto al lenguaje cinematográfico, al
principio se vuelve al “teatro filmado”, en el que el ritmo de los
planos, fijos y teatrales se ven supeditados a los interminables
diálogos y canciones. Aparece el género del Music-hall y de la comedia musical. La diversidad idiomática dificulta la
distribución internacional de las películas. Para salvar este obstáculo,
las productoras filman la misma película en varios idiomas,
sustituyendo a los actores y actrices, pero utilizando los mismos
decorados y el mismo equipo técnico.
Tomado de: http://amorenoyelcine.wordpress.com/3-el-cine-sonoro/3-1-estados-unidos/
1910. EL NACIMIENTO DE HOLLYWOOD
El nombre "Hollywood" se asocia inevitablemente con la sede de lai ndustria del cine estadounidense.
En sus orígenes, fué un poblado fundado en 1857. En 1903 Hollywood se convirtió oficialmente en municipio y siete años más tarde se integró como un barrio de la población de Los Ángeles, principalmente, para disponer de agua suficiente a través de la red de suministro de la ciudad.
A principios del siglo XX, las compañías productoras de cine de Nueva York y Nueva
Jersey comenzaron a trasladarse a California para escapar de los
impuestos sobre las patentes del cinematógrafo en EE.UU. que Edison se
había adjudicado y además por el buen clima que facilitaba los rodajes
en exteriores. Aunque ya existía la luz eléctrica, los estudios de cine
dependían de la iluminación natural para poder rodar. El primer estudio en Hollywood se fundó en 1911. Ese mismo año otros 15 estudios se establecieron allí. Desde entonces, el distrito de Hollywood fue evolucionando hasta convertirse en la meca del cine de todo el mundo occidental.
Hacia
mediados de esta década nace el “régimen de doble mando”. Es decir, en
Hollywood se instalan los estudios, los operarios, las estrellas... todo
lo que forma la industria; mientras que en Nueva York se encuentra la
parte financiera. La banca norteamericana se van dando cuenta del
potencial económico de la industria cinematográfica y se comienza a
invertir en películas. Para que los grandes
estudios fueran rentables no era suficiente crear tres o cuatro
películas de alto presupuesto, sino que tenían que filmarse muchas más
producciones de calidad inferior para mantenerse vivas.La salas se adecuan para recibir un gran público y se construyen más grandes y lujosas.
Nace también el llamado "Star System" (Sistema
de Estrellas). Los grandes magnates de Hollywood pronto se dieron
cuenta de que el éxito de sus producciones no solo dependía de su
calidad, sino también de quién aparecía en ellas. Así, comenzaron a idearse las primeras campañas de marketing para
asegurarse el éxito de sus películas. Las estrellas de Hollywood se
convirtieron en una mezcla entre actor y personaje, y eran mitificadas
como dioses por el público. Estos dioses estaban creados por los propios estudios. Este sistema duró hasta los años 50,
aunque hoy en día aun quedan restos de él. El llamado "glamour"
hollywoodiense, es hijo de este "Star System" si no la otra cara de la
misma moneda.
Pero
el cine aun no había alcanzado su punto más alto. Méliès había
exprimido todas sus posibilidades en cuanto a entretenimiento se
refiere, pero el lenguaje cinematográfico tal y como hoy lo conocemos
aun no se había desarrollado. Hasta entonces, las películas realizadas
se desarrollaban en diferentes escenarios en los que una cámara fija
ofrecía un plano general de la acción al espectador, con lo que no había
mucha diferencia entre una película y una obra de teatro.
GRIFFITH
En 1915, el director David Wark Griffith,
presentó al mundo la que, hasta ese momento y durante casi 25 años más,
fué la pelicula más cara y espectacular jamás filmada: El nacimiento de una nación,
una epopeya de cuatro horas de duración que narra la derrota del
Sur durante la guerra civil americana. Cuidada hasta el más mínimo
detalle en cuanto a escenografía, ambientación vestuario y sobre todo en
cuanto a recursos narrativos fílmicos, los cuales establecieron un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.
Estos
recursos como el flashback, el uso del primer plano, la alternancia
entre planos generales que permiten comprender y organizar mentalmente
el espacio donde transcurre la acción y planos cortos para apreciar
detalles, son totalmente habituales y están asumidos hoy en día pero no
para el público de la época, que nisiquiera concebía en su mente lo que
era un primer plano.
El Nacimiento de una Nación es
hoy uno de los grandes hitos de la historia del cine. Fue una película
que provocó todo tipo de reacciones. Por un lado logró que, por primera
vez, se reconociera al cine como arte, y convenció al mundo de que
Hollywood había llegado a la madurez, pero al mismo tiempo, fue
criticada por su abierta visión racista.
El nacimiento de una nación (1915) (fragmento)
Como respuesta a estas críticas, en 1916, Griffith estrenó otra superproducción, Intolerancia;
el film explora el tema de la intolerancia por medio de cuatro
historias localizadas en momentos diversos de la historia: la matanza de
los hugunotes en Francia en la noche de San Bartolomé de 1572, la pasión y muerte de Jesucristo, una huelga de trabajadores contemporánea y la caída de la Babilonia del rey Baltasar en el año 539 ante el ataque del Imperio Persa.
La
película contaba con todo un conglomerado de recursos artísticos y
técnicos, una gran puesta en escena, inmensos y costosos decorados y
miles de extras. Pero a pesar de su espectacularidad la película no tuvo
una buena acogida por parte del público y nunca llegó a recuperar su
desorbitado coste para la época de 12 millones de dólares,
convirtiéndose en un fracaso que dejó a Griffith en la ruina, de la que
nunca se recuperaría totalmente, pues el corría con todos los gastos de
la producción.
"Intolerancia" (1916) (fragmento)
A
pesar de esto, hoy en día es considerado uno de los directores
cinematográficos más influyentes de la historia y el "padre del cine
moderno".
Intolerancia también sirvió de de catapulta hacia la fama a una de las primeras estrellas famosas: Lillian Gish, considerada como la inventora de la interpretación y un auténtico fenómeno de masas durante la década de los 20.
A partir
de esta película, serían los productores quienes pasarían a dominar el
mundo del cine estadounidense, con la aparición de las grandes
productoras de Hollywood y el star system, una vez que la industria cinematográfica europea había sido reducida a cenizas tras la 1ª Guerra Mundial.
OTRAS PELÍCULAS Y ESTRELLAS
Otras películas destacadas entre 1910 y 1919:
- Frankenstain (1910) de Thomas Edison.
- La primera adaptación (posteriormente se harían muchísimas más) de la novela Oliver Twist (1912).
- La primera versión de Cleopatra (1917), con Theda Bara, la primera "mujer fatal" del cine, en el papel de la Reina de Nilo. Actualmente solo se conserva un breve fragmento de este film, que ha sido archivado y declarado "patrimonio de la humanidad", con lo que no podemos disfrutar de esta película.
- La primera versión de Tarzán de los monos (1918).
Es
también a mediados de esta década cuando hace aparición un personaje
que sería la figura más importante del cine durante los años 20 y se
convertiría en un icono cultiral del siglo XX: Charles Chaplin (Charlot).
Actor, director, escritor y productor de todas sus películas, comenzó a
hacer reir al mundo con sus primeros cortometrajes hacia 1915; algunos
de los mejores son:
- Charlot en la playa (1915)
- Charlot boxeador (1915)
- Charlot músico ambulante (1916)
- Charlot Bombero (1916)
- La calle de la paz (1917)
- Vida de perro (1918)
- Armas al hombro (1918)
- Día de placer (1919)
Tomado de: http://joss-ronah.blogspot.es/1236700320/
EDISON Y NACIMIENTO DE HOLLYWOOD
Cuando el cine llegó a Norteamérica tuvo una grandísima acogida y la
nueva industria comenzó a crecer vertiginosamente, esto llamo la
atención de Thomas Alva Edison, nacido en Milan, Ohio (1847-1937) West
Orange, Nueva Jersey.
Edison se dio cuenta de las posibilidades que ofrecía el cinematógrafo y
no tardó en comprar los derechos de explotación para la costa este de
los Estados Unidos. No tardó en recibir dinero a costa de pequeñas
productoras que empezaron a considerar abusivos esos cobros, ya que esta
industria cinematográfica creciente les proporcionaba muchos gastos y
pocos beneficios que debían compartir con Edison. Sin embargo, Edison
era casi un mafioso y convencía por malos métodos a todos aquellos que
se retrasaran en los pagos. Debido al monopolio de Edison, algunas
productoras de New York y Chicago decidieron buscar otro sitio donde
trabajar sin el yugo de Edison, y ese sitio no fue otro que la costa
oeste. Se quedaron en un pueblo cerca de Los Ángeles llamado Hollywood
lugar donde los derechos de explotación de Edison no servían. Aparte de
eso se establecieron allí por sus numerosos días de sol durante el año
ya que los días eran más largos y con buen clima (Aunque ya existía la
luz eléctrica, los estudios de cine dependían de la iluminación natural
para poder rodar). La primera productora se estableció allí en 1911 y
durante ese año se establecieron allí otros 15 estudios.
Thomas Alva Edison
El sitio lo eligió Carl Laemmle quien fue uno de los pioneros que,
huyendo de los abusos de Edison, llegó a California y Fundó la Universal
City, comprando una finca de 430 Kilómetros cuadrados.
La Universal City era una ciudad con su propio alcalde y departamento de
policía, donde vivían todos los trabajadores de la industria del cine.
Al poco tiempo nuevos vecinos se instalaron en los alrededores, todos
ellos relacionados con la industria del cine. Los más conocidos eran los
hermanos Warner, fundadores de la Warner Bross en 1923, los hermanos
Cohn, fundadores de Columbia Pictures, Adolf Zukor, fundador de
Paramount Pictures, Samuel Goldfish y los hermanos Selwyn, cofundadores
de Metro-Goldwin-Mayer y Willian Fox, fundador de la 20th Century Fox.
Realmente ésta fue la gran aportación de Edison a la industria del cine: El nacimiento de Hollywood.
David W. Griffith
David W. Griffith
Nacido en Kentucky (Estados Unidos de América) el 22 de enero de 1875 y
fue educado bajo la influencia del sur de los Estados unidos. Su padre
participó en el lado perdedor de la guerra de secesión en Estados
Unidos.
Cursó estudios en escuelas locales y trabajó en muchos oficios antes de
incursionarse en el cine y el teatro, en 1897 se hizo actor aficionado.
En el año 1900 se hizo actor profesional y cautivado por el
cinematógrafo no tardó en convertirse en uno de los más importantes
directores de la historia del cine.
En 1908 fue contratado como actor por la compañía AM&B (American
Mutoscope & Biograph) de la que llegó a ser director en Nueva York y
California y se convertiría en productor independiente en 1913.
Dirigirá sus películas más importantes a partir de ese momento. En 1915
se estreno “El nacimiento de una nación” que supondrá un gran éxito. La
película trata sobre la Guerra Civil Americana desde el punto de vista
del bando confederado, y más tarde de la fundación del KKK (Ku Klux
Klan). Esta película tuvo mucha polémica debido a las escenas racistas
que se muestran en ella. Por otra parte logro con esta película que se
reconociera el cine como arte.
Cártel de El nacimiento de una nación
He aquí un enlace a un fragmento de la película: es el comienzo de la
película donde muestra la vida en el sur de los Estados Unidos y el
comienzo de la Guerra Civil Americana, y la historia de una chica que
escribe a su hermano en el frente y cuya casa es atacada luego por las
tropas del norte entre las cuales muchos de los soldados son negros.
Su otra película a destacar es “Intolerancia” que fue una de las
producciones más caras de la historia del cine. Esta película relata
cuatro grandes injusticias de la historia: la matanza de los hugonotes
en la noche de san Bartolomé, la pasión y muerte de Jesucristo, una
huelga de trabajadores, y la caída de la Babilonia del rey Baltasar en
el año 539 ante el ataque de Ciro II el Grande, rey del Imperio persa.
Fotograma de “Intolerancia” donde se muestra la
entrada a Babilonia.
Una de las escenas en la parte de Babilonia es en la que se ve cómo se subasta una mujer como esposa.
Este es un enlace a un video que muestra dicha escena.
Más tarde, junto con otras importantes figuras del cine como eran
Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford fundó la compañía
United Artists, para producir películas de larga duración al margen del
control de productores y financieros no creativos del cine.
Entre los años 1908 y 1914 realizó casi 400 filmes, cultivó todos los
estilos y géneros, mostrando una especial inclinación por el melodrama
histórico.
Tras la llegada del cine sonoro, que provocó su fin como director,
realizó solamente dos películas sonoras, “Abraham Lincoln” en 1930 y
“The struggle” en 1931.
Él mismo afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, con
aportaciones como el primer plano o el flashback, como
dijo en un artículo de un periódico en 1913.
Lo que es cierto es que se puede considerar a Griffith el padre del cine
moderno americano, dado que las películas de la época no eran más que
cortometrajes producidos con pocos medios y pocos actores.
David W. Griffith murió solo en un oscuro hotel del Hollywood Boulevard
el día 23 de julio de 1948. Su mejor epitafio lo escribió Orson Welles:
“Yo le admiraba, le veneraba, pero él no necesitaba un discípulo.
Necesitaba trabajo. Nunca he odiado realmente a Hollywood a no ser por
el trato que dispensó a David Wark Griffith. Ninguna ciudad, ninguna
profesión o forma de arte le deben tanto a un solo hombre.”
Mack Sennet y los estudios Keystone
Mack Sennet rodando con su cámara
Mack Sennet nació el 17 de enero de 1884 en Danville, Canadá en el seno
de una familia de granjeros inmigrantes de origen irlandés. Comenzó
trabajando en el teatro en la ciudad de Northampton, en Massachussetts,
aunque poco después su creciente ambición le llevó a trabajar como
“chico de los recados” para la compañía Biograph en Nueva York donde
aprendió del principal director de cine americano D.W. Griffith. La
película que le dio a conocer como actor fue The Curtain Pole (1909) en
un papel de borracho que provoca múltiples caídas. Su gran oportunidad
le llegó en 1910 cuando tuvo la ocasión de sustituir al director Frank
Powell al caer este enfermo, mientras realizaba “A Lucky Toothache”.
Durante los años 1908 y 1909 se había producido un descenso brusco de la
producción de comedias, pero en 1911 se alcanza de nuevo casi la mitad
de la producción. Observando que estas películas obtenían importantes
cantidades de dinero en pantalla en 1912 y teniendo como promotores a
Adam Kessel y Charles O. Bauman, dueños de la New York Motion Picture
Company, Sennet fundó Keystone Studios en Edendale, Los Angeles, y creó
el primer estudio y escenario completamente cerrado de la historia del
cine.
El género burlesco del cine americano recoge durante estos años la
tradición del “slapstick”(1) además de influencias de films cómicos
europeos. Estas películas establecieron algunos de los rasgos más
característicos del género, la tarta de crema, el toque seductor con
actrices bonitas, la persecución o la impertinencia frente a la
autoridad.
La primera actriz de Sennet fue Mabel Normand, lo que la hizo saltar a
la fama a pesar de mantener una agobiante relación personal con él.
Muchos otros comenzaros sus carreras en Keystone junto a Sennet como
Harold Lloyd, Raymond Griffith, Gloria Swanson, Ford Sterling, Andy
Clyde e incluso Charlie Chaplin.
Charles Chaplin
Chaplin se encontraba de gira en América con la compañía teatral Fred
Karmo, cuando recibió un telegrama de Kessel y Bauman, solicitando su
presencia y en Septiembre de 1913 firmó un contrato para un periodo de
un año con la compañía Keystone.
Irónicamente Chaplin pensó que hacer películas sería una buena forma de
promocionar su carrera en los escenarios y supuso que tras pasar un año
allí regresaría como una estrella internacional.
Cuando Chaplin llegó a Keystone, Sennet le llevó aparte y le explicó su
método de trabajo "No tenemos escenarios nos hacemos una idea y luego
seguimos la secuencia natural de los acontecimientos hasta que llevan a
una persecución, que es la esencia de nuestra comedia." Este método fue
edificante, a pesar de que Chaplin lo odiaba porque pensaba que se
disipaba la propia personalidad.
La primera película de Chaplin en Keystone Studios fue titulada “Making a
living”, en la cual interpreta a un estafador, Chaplin quedo confundido
ante la manera de trabajar de Henry Lehrman, pues él estaba
acostumbrado a ensayar y perfeccionar durante meses, pero pronto se dio
cuenta de que en Keystone la sutileza siempre dio paso a la velocidad.
Chaplin tomó cada oportunidad que tuvo para aprender el negocio de hacer
películas y en sus primeros esfuerzos fueron más allá de lo que se
esperaba de él.
Las películas que Chaplin llevó a cabo en Keystone son muy diferentes de
la comedia suave y sofisticada que sería el sello de su obra posterior.
Sin embargo Chaplin incorpora a las películas de Keystone una aguda
comprensión del carácter y el movimiento que él había perfeccionado
durante sus años en las salas de música británica y un estilo de comedia
que fue pulido pareciendo espontaneo al mismo tiempo.
Aunque la relación de Chaplin con el líder de la "Fun Factory" Keystone a
menudo era algo áspera, a Sennett no le importaba siempre y cuando el
trabajo fuese bueno, y así era.
Cuando finalmente Sennett dio a Chaplin el control de sus propias
películas, ambos trabajaban bien juntos, y Chaplin comenzó a disfrutar
de su trabajo en Keystone
A Chaplin solo le tomó unos meses llegar a ser reconocido como el
comediante más popular en el cine, a pesar de su gran fama y el
estrellato internacional, no florecería hasta después de haber firmado
con la compañía Essanay Film Manufacturating a principios de 1915.
Pese a su breve estancia en Keystone rodó 35 films, siendo interprete
del primer largometraje producido por Mack Sennet, “Tillie´s Punctured”
Romance, el cual fue distribuido a finales de 1914 con bastante éxito.
Debido a su éxito en 1914 Keystone Studios se expande y hace construir
nuevos edificios, contratando así a nuevos directores como Jean-Louis
Leutrat y es capaz de aumentar la duración de los films, alcanzando a
veces las dos bobinas.
Los argumentos de Keystone eran simples intrigas, pero a partir del año
1914 comienza a complicarse la estructura narrativa de sus films y
comienza a construirse el Star System cómico (3).
Edificio Keystone Studios
Un elemento distintivo de la comedia de la Keystone fue el estilo de
montaje, en las películas se realizaba un ajuste rítmico del montaje en
todo el film, realizando los cortes de modo más rápido hacia el final de
este. El ritmo de montaje se volvió trepidante y la duración media de
los planos de la Keystone era de entre cinco y ocho segundos.
En el año 1915 Keystone studios se convirtió en una unidad productora
independiente; para aquel entonces Sennet ya era una estrella y dejo el
estudio en 1917 para producir sus propias películas las cuales fueron
distribuidas por Paramount, tras la marcha de Sennet, Keystone jamás
volvió a tener el mismo éxito y finalmente cerró en 1935 por
bancarrota.
La comedia burlesca, fue puesta a punto por Sennet, pero aún se basaba
en el slapstick antes que en gags visuales. A partir del año 1915 y
durante un espacio de 15 años la producción de films cómicos fue muy
prolífica, pero el año 1921 marca la transición entre dos épocas del
cine cómico estadounidense “la de la patada en el culo y la del gag
refinado”. Por primera vez comienza a desarrollarse el personaje cómico
que reemplazara al burlesco colectivo y ahí tenemos a los grandes
cómicos de los 20 tales como Harold Lloyd, Keaton y Larry Sennon.
Chaplin ya comienza a elaborar su obra personal a partir de 1914 y en
las obras de Sennett apenas sobrevive el antiguo burlesco. Se trata de
una edad de oro del género burlesco.
1 – Slapstick: Se trata de un subgénero de la comedia que se caracteriza
por presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en
consecuencias reales de dolor.
3- Star System: se trataba del sistema de contratación de actores en
exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios de Hollywood en
la denominada época dorada de Hollywood para asegurarse el éxito de sus
películas.
El Western y el legado de Porter.
Frederick J. Turner
La historia de Norteamérica nació hace escasos siglos cuando los
europeos llegaron a sus costas y vieron un inmenso continente que les
podría proporcionar una nueva vida y con ello formar un nuevo mundo. Por
eso toda la historia anterior a este suceso, procedente del antiguo
continente, es descartada, en beneficio de vigorizar el espíritu de sus
descendientes y el legado de la nación.
El movimiento de expansión de fronteras, del este al oeste, va a
convertirse en la motivación de este futuro país que será Estados Unidos
de América, debido a que es el inicio de su historia como nación. El
fuerte explorador que tiene que sobrevivir en las duras tierras
extranjeras, adquiriendo los métodos de los nativos indios, y creando
esa bella tierra en lo que es hoy en día, será la figura a adorar.
Así lo explica Frederick J. Turner en su tesis “El significado de la
frontera en la historia americana”. El americano proviene de una lucha
por la supervivencia, que pasa por resolver problemas nunca antes
vividos en Europa; a la expansión por ese vasto territorio de duras
condiciones, creando una nación de líderes que tendrá un sinfín de
nuevas oportunidades. Esta idea se verá acrecentada gracias a la
aportación de los western en libros y, más tarde, en cine.
A finales del siglo XIX aparecería uno de los directores pioneros más
importantes para el futuro del cine actual. Edwin Stanton Porter
(1870-1941) fue el director de “Salvamento en un incendio” (1903), así
como de “Asalto y robo de un tren” (1903), ambas importantes para el
futuro de la industria del cine por su técnica innovadora.
Es en “Asalto y robo de un tren” donde consideramos la mayor aportación
al western americano. Este film de diez minutos de duración contiene
sólo doce planos, pero innova en varios aspectos. La técnica de
continuidad se basa en cambiar de plano para continuar una acción sin
detenerla, apreciada en esta película cuando los personajes salen de
vista por un lateral y aparecen en el siguiente plano de forma continua.
La cámara también deja de ser la que establezca lo que ocurre en
pantalla, y se subordina. Esto elimina la restricción a que toda la
acción este en pantalla, y aporta el movimiento de cámara para hacer
escenas panorámicas. Adicionalmente nace la técnica de “Cross-cutting”,
que permite el desarrollo de dos acciones distintas al mismo tiempo,
como puede ser que unos bandidos asalten a un mensajero en uno de los
vagones, y mientras sus compañeros se encarguen de tomar la locomotora
asaltando a los ingenieros que la conducen. También incluye escenas
coloreadas a mano.
Este film de gran reconocimiento en la historia del cine, ha perdido
mérito debido a que Porter permitió el uso de sus técnicas al resto de
directores que vendrían después, sin ninguna limitación, creando
películas más elaboradas que se refuerzan con el uso de esta innovación
cinematográfica, y que dejan a “Asalto y robo de un tren” como un gran
experimento que propuso unas ideas innovadoras.
Así, en 1924, John Ford, famoso director norteamericano con mucho
reconocimiento, dirige un film llamado “El caballo de hierro”. Película
que vuelve al género western tan apreciado en el país. La película
trata de cómo se terminó la construcción del ferrocarril
transcontinental, símbolo de la culminación de la colonización
americana, fin de esa etapa de expansión de fronteras. Usa en su
producción elementos recogidos del film de Porter, creando
definitivamente una influencia de western mucho más amplia para el
futuro cine.
Este fenómeno western ha fortalecido el espíritu de la nación
norteamericana, como explicaba Turner en su trabajo, dando lugar a la
potencia mundial que es hoy en día, y que sigue motivando a su amplia
población.
Cartel de El caballo de hierro.
jueves, 18 de abril de 2013
Vida y Obra de Charles Chaplin
Discurso Chaplin el Gran Dictador
Biografía Chaplin
Los
padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades de
origen judío que, en su momento, alcanzaron un razonable éxito. Especialmente
la madre, Hannah Hili, hija de un zapatero, menuda, graciosa y con una agradable
voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle
londinense de East Lane, Walworth. No era un buen momento para la familia. El
padre, Charles, había abandonado el hogar en pos de su afición alcohólica, y
Hannah se vio obligada a mantener por sí sola a sus hijos Sydney y Charles.
Estaba en la cumbre de su carrera artística con el pseudónimo de Lily Harvey,
pero comenzaba a fallarle la voz. En 1894, durante una función en Aldershot, su
gorjeo se quebró en medio de una canción. El empresario envió a escena al
pequeño Charles, de cinco años, que imitó la voz de Lily incluyendo el
desfallecimiento final, para gran diversión del público. Ése fue su debut
artístico.
El
fracaso y la falta de dinero trastornaron la salud mental de Hanna Hill, que
comenzó a dar muestras de extravío. Ella y los niños pasaron a vivir en el
asilo de la calle Lambeth. Sydney y Charlie asistieron un tiempo a la escuela
para niños pobres de Hanwell, sufriendo su severa disciplina y las burlas de
los niños más afortunados. En 1896 el estado de Hannah obligó a recluirla en un
sanatorio frenopático. Al año siguiente, Charlie se unió a los Eight
Lancashire Lads (Los ocho muchachos de Lancashire), un grupo de actores
juveniles aficionados que hacían giras por los pueblos. Más tarde formó parte
de otras compañías ambulantes, ya profesionales aunque muy modestas. En 1898
murió el padre, mientras Charlie Chaplin era ya un experto actor infantil. En
1901, con doce años, representó el rol de protagonista en Jim, the Romance
of a Cockney, y cuatro años más tarde realizó una gira con The Painful
Predicament of Sherlock Holmes. El año 1906 fue afortunado para el joven
cómico. Se inició con un contrato en el Casey Court Circus como una de las
primeras atracciones, y finalizó con otro contrato para la célebre compañía de
pantomimas de Fred Karno, en la que también actuaba Stan Laurel.
Los
comienzos en Hollywood
A
los diecinueve años Charlie vivió el primero de sus numerosos e intensos
romances, al enamorarse perdidamente de la joven actriz Hetty Kelly. Con Fred
Karno el futuro Charlot había perfeccionado y diversificado sus notables
recursos mímicos, y el director lo incluyó en la troupe que realizaba
una gira a París en 1909 y al año siguiente otra de seis meses por Estados Unidos.
Fue la época en que Mack Sennett obtuvo un gran éxito con sus filmes cortos de
bañistas y policías, basados en corridas, gesticulaciones exageradas, palos y
peleas con tartas de crema. Sennett adivinaba las posibilidades
cinematográficas de la mímica más refinada y compleja de Chaplin, y cuando éste
realizó su segunda gira en 1912 lo convenció para que se incorporase a su
productora, la Keystone.
Charlie
Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en
noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a
Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista).
En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis
minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u
otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo
ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin
interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría
luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot
ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay
le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana.
Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez
veces menos.
Con
la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese
año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que
introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un
guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista
absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire
era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion,
The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que
redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría
después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el
sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los
zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia
del cine.
La
celebridad de Chaplin y su personaje era ya universal (el nombre de Charlot se
lo daría en 1915 el distribuidor de sus filmes en Francia), y el exitoso mimo
cambió nuevamente de productora en 1916. Con la Mutual realizaría doce
películas en dos años, entre ellas The Pawnshop (El prestamista), Easy
Street (La calle de la paz) y especialmente The Immigrant (El
inmigrante), las tres con Edna Purviance. A principios de 1918 la First
National contrató a Charlie Chaplin por la cifra récord de un millón de dólares
anuales. Fue también el año de la primera de sus bodas con jovencitas casi
adolescentes. Su matrimonio con la actriz secundaria de diecinueve años Mildred
Harris, celebrado el 23 de octubre, duraría hasta 1920 y el divorcio le costó a
Charles 200.000 de sus preciosos dólares.
También
en 1918 realizó una gira para vender bonos de guerra junto a otras dos
superestrellas de la época: Mary Pickford (llamada «La novia de América») y el
galán acrobático Douglas Fairbanks. Con la First National filmó doce películas
entre ese año y 1922, algunas tan clásicas en su filmografía como A Dog Life
(Vida de perro) y Shoulder Arms (Armas al hombro). Y también la que se
considera su primera obra maestra, en la que cinceló su estilo tragicómico,
crítico y sutilmente conmovedor: The Kid (El chico), con Jackie Coogan,
la infaltable Purviance y seis rollos de duración. En 1921 regresó por primera
vez a Europa para el estreno de esa película y recibió una recepción
multitudinaria, al tiempo que la severa crítica europea lo consagró como un
genio del cine.
Ya
en 1919 Chaplin, Pickford y Fairbanks, junto al director David W. Griffith (sin
duda otro genio del cine) habían constituido la productora independiente United
Artists, pero Chaplin no trabajó para ésta hasta no acabar su contrato con la
First National. En 1923, con productora propia, sólida fortuna personal y una
suntuosa mansión en Beverly Hills, se sintió al fin con las manos libres para
desarrollar sin ataduras su creatividad. Ese año dirigió, sin actuar, la
excelente A Woman of Paris, con su admirada Edna y Adolphe Menjou. El
multifacético creador tenía ya treinta y cinco años, y el 24 de noviembre de
1924 contrajo matrimonio en México con la jovencísima actriz Lolita McMurray (o
Lita Grey), de sólo dieciséis años. La unión duró hasta 1927 y Chaplin obtuvo
de ella sus dos primeros hijos (Charles Spencer y Sydney Earle) y pagó un
millón de dólares al divorciarse de su Lolita.
En
esa época inició la gran trilogía final del personaje de Charlot, rodando en
1925 The Gold Rush (La quimera del oro), de la que en 1942 realizó una
versión sonora narrada por su voz y con música propia. Ya en 1927 se estrenó la
primera película sonora, El cantor de jazz, con Al Jolson, pero Chaplin
seguía fiel al cine mudo cuando en 1928 realizó The circus (El circo),
película que él mismo consideraba menos lograda que las que integraban la
trilogía, pese a ser un magnífico filme cómico. Por esta película recibió su
primer Oscar de la Academia en 1929. Dos años más tarde estrenó City Lights
(Luces de la ciudad), paradigma de la ternura y la desolación de su alter ego
cinematográfico, con inclusión de escenas sonoras y música de Chaplin.
En
1932 realizó un nuevo y extenso viaje a Europa, donde en una recepción conoció
a la actriz francesa Paulette Goddard. Ambos prosiguieron juntos el itinerario
de lo que llegó a ser una gira mundial, y al año siguiente Paulette sería su
pareja en el último film de la trilogía: Modern Times (Tiempos
modernos), una ácida parábola sobre el maquinismo industrial y las miserias del
capitalismo.
Al
desatarse la guerra y la invasión alemana sobre Europa, Chaplin filmó, en 1940,
The Great Dictator (El gran dictador), una divertida y feroz parodia del
nazi-fascismo, en la que el actor se desdoblaba en un Charlot transformado en
peluquero judío y un Hitler mitómano y paranoico que anunciaba la disposición
de Chaplin a encarnar nuevos roles, sin bombín ni zapatones. Lo acompañaba la
Goddard, cuyo personaje llevaba el nombre de la madre de Charles (Hannah),
fallecida en 1928. Chaplin y Paulette se distanciaron en 1941 y poco después el
cineasta se vio envuelto en un proceso por la paternidad de la hija de la
actriz Joan Barry, llamada Carol Ann. Condenado en abril de 1942 por violación
de la Ley Mann, debió hacerse cargo de la manutención de la niña. El escándalo
no le impidió casarse a sus cincuenta y cuatro años, con la hija del insigne
dramaturgo Eugene O'Neill, una hermosa joven de dieciocho años llamada Oona,
que permanecería a su lado el resto de su vida.
El
patriarca de Vevey
Tras
rodar Monsieur Verdoux en 1947, Charles Chaplin cayó bajo la ola del
maccarthismo que tenía como blanco a intelectuales y artistas de Hollywood. La
crítica social que rezumaba su obra, sumada probablemente a su origen judío y
al hecho de ser extranjero (nunca se nacionalizó), lo llevaron a comparecer en
1949 ante el inquisicional Comité de Actividades Antinorteamericanas. Al año
siguiente, mientras él y su familia viajaban por Europa, se ordenó a las
autoridades de inmigración que lo retuvieran a su regreso. Chaplin decidió no
volver jamás y se instaló en una lujosa residencia en Corsier-sur-Vevey, en la
plácida ribera del lago suizo de Léman, frente a Ginebra. Oona se encargó de
liquidar sus asuntos económicos y profesionales en Estados Unidos.
Inglaterra
ofreció a su hijo pródigo un sitio para continuar su trabajo. En 1952 rodó en Londres
Limelight (Candilejas), magnífica y sentimental rememoración de sus días de
cómico ambulante, y dos años más tarde recibió el Premio Internacional de la
Paz. Su resentimiento contra Estados Unidos se reflejó en A King in New York
(Un rey en Nueva York), filme de 1957 cuyos altibajos no ocultan el corrosivo
humor chapliniano. El gran cineasta era ya un anciano patriarcal y vitalista
que comenzaba a escribir sus memorias en 1959. A los setenta y ocho años fue
padre de su octavo hijo con Oona, Christopher, nacido en 1962, y en 1964 se
publicó en Londres su autobiografía, Historia de mi vida.
Ya
octogenario, Chaplin tenía todavía ánimo y energías para escribir y rodar una
última película, A Countess from Hong Kong (La condesa de Hong Kong,
1966). Pese a contar con dos protagonistas de lujo como Sofía Loren y Marlon
Brando, y al propio director en el rol menor de un camarero, el filme no tuvo
éxito y quizá no lo merecía. La mano maestra de Chaplin conservaba cierta
elegancia, pero el tema era trivial y el estilo claramente anacrónico. El
anciano creador debió de advertirlo, porque no volvió a insistir.
Charles
Chaplin vivió todavía una década en su refugio de Vevey, rodeado de sus hijos y
acompañado por la leal Oona. En 1972 aceptó un breve retorno triunfal a
Hollywood, para recibir un Oscar por la totalidad de su obra. En 1976 Richard
Patterson rodó The Gentleman Tramp (El vagabundo caballero), inspirada
en su autobiografía, que incluía escenas familiares en Vevey filmadas por el
director de la fotografía, el español Néstor Almendros. Otro español, el
cineasta Carlos Saura, se casó con Geraldine, la hija de Oona más consecuente
con el oficio de su padre. Éste murió a los ochenta y ocho años, el día de
Navidad de 1977. Dejaba un total de 79 películas filmadas en más de cincuenta
años de actividad como actor y director. En la casi totalidad de ellas fue
también autor del guión, y del diálogo y la música en las sonoras. Además de las
ya mencionadas, cabe agregar Carmen (1916), según la novela de Merimée; The
Vagabond (El vagabundo), 1916; A Day's Pleasure (Un día de juerga),
1919; Pay Day (Día de paga), 1922, y The Pilgrim (El peregrino),
1923, entre las más apreciadas por la crítica y celebradas por el público.
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1889
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Nace
en Londres.
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1913
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Llega
a Hollywood para trabajar con Mack Sennett.
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1914
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Se
estrena su primera película Ganándose la vida (Making a Living)
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1919
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Se
constituye la productora United Artists con Douglas Fairbanks, Mary Pickford
y D. W. Griffith.
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1920
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Rodaje
de El chico y divorcio de Mildred Harris.
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1925
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Filma
La quimera del oro, tras su boda con Lita Grey.
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1928
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Recibe
un Oscar por su película El circo.
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1940
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Filma
El gran dictador.
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1943
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Juicio
por la paternidad de la hija de la actriz Joan Barry y boda con Oona O'Neill.
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1950
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Padece
la persecución maccarthista y se instala en Suiza.
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1952
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Estrena
Candilejas, su más apreciado filme de madurez.
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1954
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Recibe
el Premio Internacional de la Paz.
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1966
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Filma
su última película, La condesa de Hong Kong.
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1972
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Recibe
un Oscar por la totalidad de su obra.
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1975
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Recibe
el título de Sir.
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1977
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Muere
en Corsier-sur-Vevey, Suiza.
|
Tomado de : http://www.biografiasyvidas.com/monografia/chaplin/peliculas.htm
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